Categoria: Recensione

Recensione “Molly’s Game”

La storia vera, raccontata in flash back, di Molly Bloom, solo omonima del personaggio dell’Ulisse di Joyce, per la prima regia dello sceneggiatore Aaron Sorkin. Di conseguenza, c’era da aspettarsi: bellissima la scrittura, di ferro, e poi formidabile Jessica Chastain nella parte di Molly.

Il film si basa sulle memorie pubblicate nel libro della stessa, vera Molly Bloom.

“Molly’s Game” racconta la storia di una ex campionessa di sci che, messa KO da un gravissimo infortunio subito in una gara pre-olimpica, decide di non deprimersi pensando alla carriera agonistica buttata via ma, molto disinvoltamente e fiera delle sue adenoidi, si ricicla come organizzatrice di bische milionarie per amanti del poker fino a diventare la regina del poker clandestino americano per vip e mafiosi russi, dimostrando grandi capacità manageriali e gran pelo sullo stomaco nel gestire uomini di tutti i tipi e cifre a tanti zeri.

Originaria del Colorado, dopo l’incidente sugli sci si trasferisce a Los Angeles dove, dopo una breve fase di umili lavoretti per mantenersi, spicca il grande salto di business ed inizia la sua attività semi-clandestina, che lei conduce in suite di hotel extra lusso. Nel suo portafoglio clienti ha prevalentemente star di Hollywood, produttori cinematografici, uomini d’affari. In una seconda fase della sua attività si trasferisce a New York, addirittura nel mitico Plaza hotel, e qui al solito livello di clientela si aggiunge anche un po’ di mafia russa, a sua insaputa, direbbero alcuni dei nostri politici. Non tutto va liscio. Al di là delle regole del giuoco, la cosa da sapere è che in America questa attività è lecita quando campa di mance e simili (per esempio, il bar), non lo è più se il banco trattiene una percentuale su ogni piatto della partita. Molly segue le regole fino a che le cifre in giuoco glielo consentono, ma siccome il banco ha anche la responsabilità di garantire le perdite se qualcuno non riesce e pagare, quando queste ultime ingigantiscono, per lei iniziano i guai.

Tra vari flash-back e salti temporali e spaziali, arriviamo all’arresto della protagonista ad opera dell’ FBI e al processo, ecco allora anche la convincente interpretazione dell’avvocato Charlie Jaffey (attore Idris Elba), e poi quella del papà di Molly (Kevin Costner, qui in veste di intellettuale), che spiega alcune cose del passato della figlia.

L’escalation professionale e criminale della protagonista viene presentato, nel film e anche in realtà, in sede di processo, come qualcosa che conserva una sua personale concezione di integrità. Infatti l’idea di Molly e dell’avvocato è di dichiarare il reato ma sottintendendo sempre una forma di moralità, come se Molly facesse di tutto per difendere una patente di coerenza pur dentro il destino che si è scelta. Vedi la sua ostinazione nel non fare i nomi dei partecipanti alle sue partite di poker (all’epoca, una decina di anni fa, quando il vero fatto di cronaca venne fuori, si parlò del coinvolgimento, tra gli altri vip, di star del calibro di Affleck e Di Caprio).

In conclusione, un cinema fatto prevalentemente di scrittura, quindi un film raro in questa epoca di dominio di effetti speciali ed altre scorciatoie/trappole per lo spettatore.

Come a teatro, un grande testo affidato a grandi interpreti e una regia che segue da par suo il copione, ovvero la scenaggiatura, in questo caso ovviamente, visto che regista e sceneggiatore sono la stessa persona….

Recensione “Contromano”

La nostra amica, inviata speciale e critica cinematografica Manuela ha visto per noi questo film. E qui ce lo recensisce.

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Antonio Albanese, come Corrado Guzzanti, si distingue dalla maggior parte dei comici perché é un genio. Soprattutto nel creare quei personaggi eccessivi e surreali come maschere, che però hanno dentro tanto di quella verità ( il Ministro della Paura…) da obbligarci ad una autocritica tutt’altro che comica.
Nelle regie non sembra però avere la medesima mano felice. Cosi’ avviene in “Contromano”.
La storia é gentile e garbata, perché nonostante il personaggio interpretato da Albanese esibisca ogni tanto un piglio un po’ leghista, in fondo é una persona buona e generosa.
E lo dimostra con la manifestazione e poi la realizzazione di un progetto che, come dice lui stesso, dovrebbe coinvolgerci tutti: riportare uno ad uno, con le nostre auto, tutti gli emigrati in Africa. Cosa che a lui riesce di fare, alla fine, con un po’ di difficoltà e di accadimenti che gli remano contro, riaccompagnando in Senegal l’emigrato che gli fa una concorrenza spietata vendendo calze di “filo di Svezia” a quattro soldi, proprio sulla porta del suo blasonatissimo negozio di intimo nel centro di Milano.
È nella descrizione del rientro in Africa che la sceneggiatura vacilla un po’. Qualche lungaggine di troppo, qualche episodio forzato, qualche personaggio tirato per i capelli.
La conclusione comunque (e non dirò di più per non rovinare il finale a chi lo vedrà) é sorprendente, ma non moraleggiante. Un atteggiamento che in Albanese sarebbe fuori luogo, e che nello scrivere un nuovo capitolo per la vita del suo personaggio, ci offre delle indicazioni non ovvie e che non puzzano di sacrestia, ma ci restituiscono la generosità di una persona che la solitudine, nonostante tutto, non ha inasprito.
Nel complesso un film godibile e amabile come il suo protagonista- regista, per passare due ore serene.

Recensione “Tonya”

L’infanzia disagiata e poi la maturita’ agonistica della pattinatrice Tonya Harding che, dopo il triplo salto mortale on ice, scivola come mandante dell’aggressione alla rivale: perde la carriera. Più che un film sportivo, la cronaca di un’America anni ’80 trash e amorale, dove l’autore ha ben documentato i fatti. Brava Margot Robbie, ma insuperabile la mammina Allison Janney, Oscar come migliore attrice non protagonista.
Non è  il solito film sul campione sportivo. Non è tennis, come da recente cinematografia ma il meno raccontato, al cinema, pattinaggio artistico. “Tonya” è un film biografico diretto da Craig Gillespie, in cui l’attrice Margot Robbie veste i panni del personaggio molto controverso, la pattinatrice Tonya Harding, eccellente atleta poi finita nella spirale di uno scandalo, quando viene accusata insieme all’ex marito dell’aggressione alla rivale Nancy Kerrigan, costretta poi a ritirarsi dalla competizione. La pellicola ci trascina quindi in un viaggio alla scoperta di Tonya, da quando era solo una bambina di quattro anni con talento, fino ai fatti di cronaca che hanno devastato la sua carriera.
All’inizio il regista comunica allo spettatore che il film si basa su interviste “totalmente vere, totalmente contraddittorie, prive di ironia”. Anche se di ironia, forse involontaria, ne viene fuori, eccome, da queste interviste.
Tonya, come detto, è Tonya Harding, figlia di bianchi poveri e cafoni d’America, sin da bambina obbligata più che avviata al pattinaggio dalla ferocissima madre. Fu la prima pattinatrice ad esibirsi e riuscire nel famigerato triple axe, la prima ad insultare i giudici di gara se non le riconoscevano il giusto merito nelle loro votazioni, e ad insultare le avversarie a prescindere. L’accusa del fatto di cronaca che segnera’ la sua vita è  quella di avere organizzato l’aggressione con relativa spaccata di rotula alla rivale Nancy Karrigan, per azzopparla alla vigilia delle Olimpiadi invernali di Lillehammer 1994.
Il rischio di film come “Tonya”, in cui si adotta il punto di vista del “cattivo” per raccontare la sua storia e gli eventi in cui è coinvolto, è di immedesimarsi troppo con il personaggio e finire col cedere all’istinto di non crederlo colpevole, o comunque di giustificarlo troppo, solo perchè ci siamo sentiti coinvolti nella sua storia; ma non è il caso di questo film. I protagonisti sono politicamente scorretti, imprecano, si picchiano e le bugie che raccontano anche a loro stessi vengono smascherate dalle immagini. Pur provando compassione per lei in certi tratti della storia, non ci sono dubbi sul coinvolgimento di Tonya nella triste vicenda, nè delle vere scusanti per quel che ha fatto, anche se la narrazione si preoccupa di mostrarci il suo difficile passato, il fatto che fosse vittima di persone che forse non avevano di lei la giusta considerazione. “Tonya”, alla fine, pur non essendo un capolavoro di cinema, si dimostra un prodotto interessante, facile da seguire e gustare. È la storia di una donna che ha commesso degli sbagli e che, a causa di questi sbagli, è stata severamente punita.
Ottima l’interpretazione dell’attrice Margot Robbie, davvero credibile nella interpretazione di questa donna complicata, e in questo film quasi irriconoscibile se raffrontata con la sofisticata donna di Leo Di Caprio in “The wolf of Wall Street”. La mamma despota come detto è Allison Janney, bravissima nel recitare la parte di una donna esigente e scostante, un personaggio detestabile dai modi spicci e poco ortodossi (eufemismo). Il marito di Tonya è l’attore Sebastian Stan, il cretino che fa minacce telefoniche credendosi quasi uomo FBI è Paul Walter Houser.

Recensione “Un sogno chiamato Florida”

Anche l’America adesso ha il suo neorealismo, pur senza avere De Sica o Rossellini.

Foto di gruppo di tre ragazzini alla periferia di Orlando, in Florida, in un intreccio continuo tra realtà e immaginazione, tra la vita quotidiana “reale” e quella che si vorrebbe vivere. Il tutto a due passi dal mondo incantato di DisneyWorld, dove vive questa umanità invisibile, dimenticata, senza tetto né legge.  È il mondo di “Un sogno chiamato Florida” di Sean Baker, regista più indie che mai, autore di questo film particolarissimo. Dove un universo di adulti e di bambini vive ai margini del parco divertimenti più grande del mondo. Poesia ed emozioni in un cinema di assoluta spontaneità e di umane illusioni che pare costruito dal vero.

Il mega-parco DisneyWorld è rigurgitante di famiglie e turisti. Poco distante, alla periferia del nulla, separato da una vegetazione incolta e da un progetto edilizio andato a male, sorge il Magic Castel Hotel, dai colori pastello tipici del quartiere Art Deco’ di Miami, a metà strada tra un albergo di terzo ordine e un residence per inquilini di passaggio che a stento riescono a pagare l’affitto. Lo gestisce in modo umano il manager/portiere/capo condomino Bobby (l’attore Willem Dafoe) che deve giocoforza avere a che fare quotidinamente con una umanità varia e molto problematica. In questa specie di condominio di case di ringhiera, diremmo se fossimo a Milano, si svolge la vita molto al limite di Halley, come il nome della cometa, e come la cometa appare luminosissima per brevi momenti per poi scompare nel buio della propria anima (strepitosa l’attrice Bria Vinaite): capelli verdi, un po’ “scunchiuruta” direbbero in Sicilia (sgangherata), molto tatuata. Giovane donna ribelle senza prospettiva. Ragazza madre con una figlia di sei anni, Moonee, la quale passa le giornate facendo monellerie e procurandosi guai con i suoi amichetti, facce da schiaffi e impertinenti come lei. Le vite di questi tre bambini continuano ad essere raccontate nel film, mentre la mamma di Mooney, in presenza o meno della figlia, continua a mettersi in altri guai. A volte per necessità (esempio, per racimolare soldi per pagare l’affitto), a volte per regalare alla figlia momenti di pseudo felicità (esempio, quando la porta ad abbuffarsi in ristoranti di lusso o almeno in decorosi diners), a volte per puro gusto nel cacciarsi nei guai. Alla voce “per necessità” rientra pure il fatto che Halley per sbarcare il lunario e pagare l’affitto al paziente Bobby, riceve in casa qualche uomo, magari con la bambina in casa e tristemente nascosta nella vasca da bagno. Cosa che non sfugge ai soliti vicini pettegoli che denunciano lo strano andirivieni di estranei fino a che non si presentano poliziotti e assistenti sociali con l’obiettivo di strappare Moonee alla madre e darla in affidamento. E qui comincia la parte piu’ drammatica del film ed il finale che si prepara è un altro momento lirico ed intensissimo del racconto.

La scena finale del film è stata girata a Disneyworld, con un iPhone, all’insaputa della direzione del parco.

Film in bilico tra due dimensioni, il vero e il falso, l’autentico e il contraffatto, il reale e il desiderato. Da una parte il Magic Castle Hotel con i suoi colori vivaci ma con il silenzio e la tristezza del cuore di chi ci vive, dall’altra DisneyWorld con la gioia, i rumori e le grida dei bambibi e dei turisti visitatori. In mezzo l’esistenza allegramente tribolata di Halley. Bellissima la fotografia e i colori. E poi gli attori, con Willem Dafoe giustamente candidato allo Oscar per il suo Bobby, che deve fare esercizio di umanità a piene mani per tenere a bada e gestire la povertà materiale e culturale diffusa di un quotidiano quasi fatalistico; e poi la stralunata Halley / Bria Vinaite e con la piccola Mooney, impunite e meravigliose icone di un film da vedere e ricordare.

 

Recensione “Un amore sopra le righe”

Dobbiamo dire che a questo blog capita ogni anno di essere colpito positivamente da almeno un film, magari indipendente, fuori dai canonici circuiti di gradimento quasi obbligati, cioé da un film che non stia in quel gruppetto di film oggettivamente ottimi (pur sapendo bene che il gusto nell’arte è personale, quindi soggettivo), a volte capolavori, che ogni stagione porta con sé. Bene, questo film è uno di questi. Diversi sono i film che vengono in mente assistendo a questa storia, ma é impossibile non pensare a “La versione di Barney”, romanzo di Mordecai Richler, e poi film con Paul Giamatti. Impossibile non accostare la Miriam del grande perduto amore di Barney, alla Sarah (attrice Doria Tillier), moglie di Victor Adelman (interpretato dallo stesso regista Nicolas Bedos): qui musa e scrittore di successo, insieme per 45 anni. Storia d’amore e di libri ambientata in Francia nell’epoca Mitterand (e altri Presidenti), scritta, diretta e recitata da Nicolas Bedos, all’esordio alla regia. Quasi un Woody Allen in trasferta a Parigi: famiglia colta e borghese, moglie e amanti, lo psicanalista, amore e odio di coppia. Una storia d’amore di quasi mezzo secolo si lascia alle spalle mille fatti, sfumature, insofferenze, gioie. Tutto questo è raccontato nel film.

“Un amore sopra le righe” è una lunga avventura amorosa carica di vibrazioni, emozioni e contrasti. A raccontare la storia di questa coppia ad un giornalista, subito dopo la morte di Victor, è proprio Sarah, in vena di rivelazioni e nostalgie: partendo in flashback dal loro primo incontro nel 1971, lei studentessa d’origini modeste, lui di famiglia alto locata e un po’ con la puzza sotto il naso, e attraversando quasi mezzo secolo di vita francese, turbolenze, tradimenti e passioni. La politica e la società francesi stanno sullo sfondo, con le epoche di Giscard D’Estaing, Mitterrand, Chirac a fare da contraltare socio-politico alla vicenda di sentimenti privati della coppia lungo i decenni che si susseguono. C’è l’innamoramento degli anni ’70, gioiosi e pieni di entusiamsmo, con l’impegno politico dei protagonisti che si inserisce nella loro passione privata. Poi l’edonismo (Reganiano?) degli anni ’80, con il benessere economico e il premio letterario conquistato da Victor. I tradimenti di lui sono una costante del bambinone capriccioso e viziato che ancora è, donnaiolo e dotato di super ego, in realtà persona fragile. Poi gli anni ’90 con fasi di separazione alternate a ritorni di fiamma, e poi si va verso l’epilogo.

Nella prima parte della storia, Sarah è, o appare, un po’ succube del compagno, spaventata che lui possa tradirla, timore non del tutto infondato come abbiamo visto, e terrorizzata al pensiero che lui possa lasciarla. In questa fase del film si assiste alla parte piu’ passionale del loro amore, vissuto in stile bohemien in un appartamentino nel centro di Parigi, durante gli anni delle barricate in strada e le manifestazioni di piazza in Francia negli anni post ’68. Quando la fama, la fortuna letteraria di lui, la ricchezza e una casa lussuosa prendono il sopravvento sull’originale ma molto piu’ romantico anonimato di coppia, questi eccessi cambiano la vita della coppia. Specie quella di Sarah, diventata tanto borghese da far imbestialire il suo ancora anticonformista compagno. E lei, sebbene incinta, presa anche da varie insicurezze e dalla gelosia per le continue scappatelle di lui, per ritrovare tracce di sicurezza si mette a sniffare come un aspirapolvere, poi si rimette in sesto ma qui comincia un’altra storia, sempre nel segno del loro amore irreversibile e sempre nei loro ruoli di ispiratrice e artista; ma adesso le situazioni si invertono, è lui a soffrire di gelosia quando è lei a guardarsi intorno, è lui a diventare insicuro e depresso per l’attenuarsi di successo con pubblico e critica letteraria. Fino all’inevitabile fase del tramonto delle loro vite, con il malinconico appannamento mentale di lui, colpito dall’alzheimer in un epilogo tenero e crudele, altro forte richiamo a “La versione di Barney”.

Abbiamo detto prima che la sceneggiatura è dello stesso regista Nicolas Bedos, in realtà la storia è stata scritta dalla coppia Bedos – Tillier, i quali oltre ad essere gli ottimi protagonisti del film sono anche compagni nella vita. Come se realtà e finzione riuscissero a manifestarsi e fondersi attraverso l’esperienza cinematografica, mettendo in scena tra pubblico e privato una lunga storia di coppia. La storia dei signori Adelman, per citare il titolo originale, è una torrenziale sequenza di riti di passaggio nell’ultimo quarto del secolo scorso, raccontati con una sincerità che fa emergere la fragilità dei personaggi, la loro lotta quotidiana con il talento, con la paura di averne meno del partner. Specie per Sarah, costretta a sacrificare il suo, per un capriccioso marito che forse non ha neanche il talento che gli si riconosceva ad inizio carriera…..

 

Recensione “Lady Bird”

Esordio alla regia di Greta Gerwig, presunta star del cinema indipendente americano, con la storia di una teenager in conflitto con la madre, sullo sfondo dell’America di provincia, nella città di Sacamento, con amici e parenti. Il sogno americano visto da una giovanissima.

Premessa: un film, ambientato nel 2002, che comincia con la seguente battuta (parola più, parola meno) della giovane protagonista: “Che depressione in questo posto! La cosa più eccitante di questo periodo è che siamo in un anno palindromo”, non può non partire con un giudizio positivo. Ma poi…. “Lady Bird” è arrivato con l’onda che precede i grandi capolavori, prima la standing ovation alla sua presentazione al Festival di Toronto, poi l’uscita americana, il record di recensioni positive, infine le cinque nomination agli Oscar, tra cui quella principale come miglior film. Ora, come qualcuno possa soltanto pensare di mettere sullo stesso livello di partenza (cioè le nominations) film come “La forma dell’acqua”, “Tre manifesti ecc…”, “The phanthom thread”, con un film normale come questo, resta uno dei grandi misteri. “Lady Bird” si presenta come uno dei film fondamentali della stagione, ma è subito evidente come non possa reggere questo genere di aspettative: non è particolare, grandioso, delicato o originale. È un film discreto ma estremamente ordinario.

La storia è quella di una pseudo-autobiografia della stessa regista Greta Gerwig, cresciuta a Sacramento nei primi Duemila tra sogni di grandezza, cultura, grandi città e indipendenza. Nel film il personaggio si chiama Christine (l’attrice Saoirse Ronan) che ha scelto per sé il nickname Lady Bird. Christine / Lady Bird fa parte di un gruppo teatrale, soffre la sua famiglia che ritiene poco stimolante dal punto di vista culturale, e non vede l’ora di finire la scuola per andarsene da un luogo che sente penalizzante per la sua crescita, destinazione il college a New York. Invece che limitarsi a raccontare le peripezie amorose e di vita della sua protagonista, la regista vuole rappresentare una magnifica parabola intellettuale, in cui lo spunto dato dalla solita volontà di un’adolescente di non somigliare ai propri genitori e distinguersi per affermare se stessa, diventa poi messaggio per arrivare a parlare dei grandi problemi della vita di questo inizio millennio. Obiettivo che tuttavia il film è ben lontano dal raggiungere. Quello che la regista sembra ignorare è che spesso film di questo genere, che raccontano peripezie di giovanissimi americani, magari più commerciali di questo, sono portatori dell’identico messaggio ma senza gloriarsene troppo.

“Lady Bird” è immediatamente identificabile come un tipico film del cinema americano indipendente contemporaneo, quello in cui i protagonisti positivi sono le voci fuori dal coro (anche se dicono solo fesserie, per stare fuori dal suddetto coro), isolati dalla massa e da cui cercano in ogni modo di allontanarsi nonostante il mondo spinga per l’omologazione; sono quelli che hanno il carattere e l’umore perennemente finto-insoddisfatto e amicizie poco convenzionali (anche se questi amici sono più cretini di quelli che si troverebbero dentro la vituperata massa); sono migliori degli altri solo perché diversi e non omologati.

Come detto, “Lady Bird” è un film autobiografico ma in un modo infantile tipico degli esordi: la regista racconta più o meno la sua storia ma lo fa in un modo che suggerisce al pubblico che si stia rappresentando meglio di come fosse.

 

 

Recensione “Quello che non so di lei”

Grande (anzi, non esageriamo, diciamo piu’ che discreto) Roman Polanski, come quasi sempre, a 84 anni, anche se qui c’e’ un po’ di gia’ visto: il tema del doppio, la artista che diventa vittima della ammiratrice in stile “Misery non deve morire”. Un film un pelo meno brillante dei recenti “Venere in pelliccia” e “Carnage” dello stesso regista, ma sempre con tracce evidenti del talento di Polanski. E’ la storia di un conflitto al femminile, una scrittrice famosa in crisi che viene letteralmente mangiata da una ammiratrice / ghost writer che la stalkerizza alla grande. Temi classici polanskiani, identità doppie, verità e finzione che s’intrecciano. Le donne in questione sono la solita Emmanuelle Seigner e la magnifica Eva Green. Una gara di bellezza e di bravura.

“ Quello che non so di lei” e’ il ventunesimo film di Polanski, da un adattamento di Olivier Assayas, quello del bellissimo “Sils Maria” e del molto piu’ dimenticabile “Personal shopper”. E infatti anche qui abbiamo due donne impegnate nell’arte della manipolazione. Una scrittrice famosa un po’ sfiorita ed in crisi creativa (Seigner) trova conforto in una scrittrice ghost writer (incarnata dall’inquietante e sensuale Eva Green) che un po’ alla volta le diventa amica, la seduce, la travolge fino a sostituirsi a lei, fino alla deflagrazione drammatica finale.

Romano mette in scena un thriller al femminile sullo sfondo appena accennato di una Parigi grigia, nella prima parte del film, con appartamenti e locali moderni abitati e frequentati da vippame vario e intellettuali in ambito cultura e mass media francesi. Nella seconda parte ci si trasferisce in una casa di campagna dove la scrittrice, ormai competamente tele-guidata dalla amicona, dovrebbe ritrovare la sua vena creativa ma sarebbe stato molto meglio per lei restare a Parigi, e possibilmente da sola.

Da notare che il film comincia con il primo incontro tra le due protagoniste, con la ammiratrice che arriva trafelata e con pochi minuti in ritardo, quando tutti sono andati via, alla presentazione di un libro della sua scrittrice-idolo, dopo che questa ha gia’ firmato centinaia di autografi e dediche ai lettori in fila; dopo qualche insistenza, pur essendo fuori tempo massimo, la ammiratrice riesce ad avere la sua dedica sulla copertina del libro. Ma evidentemente Polanski deve avere qualche problema con chi arriva appena oltre l’ultimo minuto utile: infatti cominciava cosi’ anche “Venere in pelliccia”.

 

Recensione “The party”

Un film in bianco e nero, oggi: prima e più evidente caratteristica di questo film. Un party, inteso come festa ma anche come partito politico, o corrente di partito. Un aperitivo in casa di Kristin Scott Thomas per sette politici riformisti nella Londra in epoca Brexit. Ma la gioa per la festa della politica dura poco, presto si mescola alla rivelazione di un dramma privato che coinvolge tutti. Un bel film collettivo diretto da Sally Potter, un cast eccellente.

Il film inizia con una pistola puntata contro lo spettatore, in realtà è  contro l’ultimo ospite, che arriva con colpevole ritardo (poi si capira il perchè) all’happy hour poco happy organizzato dalla padrona di casa per festeggiare la sua nomina a ministro della salute nel governo ombra laburista. Bisogna dire che la regista Sally Potter è stata molto furba nelle varie conferenze stampa di presentazione del film: ha detto “tema Brexit” ai britannici, e ha detto “crisi della sinistra” agli italiani, e tutti sono tornati a casa felici e contenti. In realtà tutti i sette invitati al rinfresco corrispondono ad uno stereotipo della sinistra inglese che inevitabilmente risente del crollo del mito di Tony Blair, quindi si tratta piu’ di una sinistra post-Blair che da attuale Brexit.

“The party” è una sorta de “Il grande freddo”, uno sfogo generazionale della sinistra britannica ma in molte delle sue caratteristiche è degno della peggiori performance della sinistra e del mito del ’68 italiano: la casa e la famiglia borghese, l’incontinenza verbale nel parlarsi addosso senza dire nulla di concreto, il rimuginare sugli errori del passato anzichè pensare a costruire una idea di futuro, l’incapacità di capire gli eventi nuovi che il mondo porta, e poi cinismo e ricerca del compromesso a gogo’.

Il film dura poco, settanta minuti divertenti di black comedy. Lo spettatore  sa che la pistola sparerà, anche se all’inizio tutto sembra tranquillo a parte la leggera ansia che assale la padrona di casa prima che gli ospiti suonino alla porta. Il marito (Timothy Spall) pare tranquillo. Un’amica arriva con il marito tedesco (Bruno Ganz), con consigli prodigati a chi non li chiede. Una collega del marito, insegnante, lesbica, esibisce la compagna-trofeo: molto più giovane e incinta di ben tre gemelli. Il modello, ormai abusato, è “Carnage” di Roman Polanski, con l’azione che si svolge tutta in un solo ambiente, condizione ideale per una riproposizione in forma di piece teatrale. Sally Potter dirige un classico intreccio di segreti e bugie: tutto in un salotto, con poche fughe in cucina dove è pronto il catering, tutto in tempo quasi reale, ottimi attori tra i quali spicca Patricia Clarkson, gia’ vista piu’ volte con Woody Allen. Film in bianco e nero forse perché costa meno: ma ipocrisie, perfidie e bassezze umane non pesano sul budget, quindi ce ne sono in abbondanza.

 

Recensione “Il filo nascosto”

Cinema con la C maiuscola. Siamo solo a marzo ma “Il filo nascosto” è già uno dei film che resterà tra i più belli del 2018.

Dal grande regista Paul Thomas Anderson (PTA da qui in poi), quello di “Boogie Nights”e “Vizio di forma”, un film raffinatissimo sul potere di seduzione, la storia di un sarto inglese che negli anni ’50 veste anche la famiglia reale. L’incontro con una umile cameriera, che riproporrà il solito copione della intensa e devastante storia d’amore tra l’artista e la sua musa, gli farà scoprire il complesso e contraddittorio mistero dei sentimenti. Se davvero questo è l’ultimo film di Daniel Day Lewis (DDL da qui in poi), il cinema perderebbe tanto. Infatti l’anno scorso  Danielino ha annunciato che questo film sarebbe stato l’ultimo della sua carriera come attore. Motivo di tale bizzarro annuncio: l’estenuante cura con cui si dedica alla preparazione di ogni personaggio che interpreta è ormai andata troppo oltre. Infatti al Nostro non basta più essere solo apprezzatissimo dal pubblico: autocritico e intransigente con se stesso, vuole raggiungere livelli di perfezione tali da sfociare nell’ossessione. En passant ricordiamo che l’attore detiene il record di Oscar vinti come migliore attore protagonista: tre, e quest’anno era candidato al quarto che pero’ come sappiamo non è arrivato.

La storia narrata nel film si basa su Reynold Woodcock (DDL), un raffinato sarto/stilista che vive nella Londra degli anni ’50. Il lavoro è l’aspetto totalizzante della sua vita: realizza abiti per sovrane, star del cinema ed ereditiere che si affidano a lui (alla sua arte, al suo mestiere) per tutte le loro occasioni mondane più importanti. Woodcock abita con la sorella Cyril che amministra per lui casa e affari. Le donne per Woodcock, troppo concentrato su se stesso e sulle sue creazioni artistiche, sono solo storie da aprire e poi chiudere al piu’ presto. Reynold Woodcock non ama distrazioni o imprevisti. La sua giornata è programmata interamente con rigore ferreo grazie all’impeccabile organizzazione dettata dalla sorella. Woodcock è un esteta, un elegante uomo di cultura, un dispotico affascinate eccentrico. E DDL ci regala un personaggio davvero immenso. Woodcock ha un rapporto ambiguo con tutte le donne che frequentano il suo atelier. Si circonda di muse, ma le rifugge sentimentalmente stancandosi presto di loro; invece ha un legame di dipendenza dalla sorella. Tutto questo fino al giorno in cui incontra Alma (Vicky Krieps), che da musa diventa sua amante, stravolgendogli completamente la vita. La scena in cui Alma scende a fare colazione a casa di Woodcock e imburra rumorosamente il toast mentre lui sta realizzando i primi schizzi della giornata, finendo per distrarlo, è davvero esplicativa della prima parte del loro rapporto (artista predominante sulla musa) e mostra tutta la rigida creatività dello stilista. Reynold conosce Alma in un ristorante in cui fa la cameriera, prima la seduce con la sua classe, quindi la conduce nel suo studio/atelier casa e bottega, dove lei finisce prigioniera delle sue continue umiliazioni. Ma Alma, a differenza delle altre donne che lo circondano o che ci hanno provato in passato, non ci sta e reagisce. E così trova il modo di trasformarsi da vittima in carnefice, scoprendo il punto d’incontro tra le loro rispettive ossessioni. Un giuoco brutale che prevede il perenne passaggio dal dolore ad una riscoperta dell’amore.

Un film elegante. Non solo perché mette in scena il mondo dell’alta moda londinese anni ’50, che già è tanta roba, ma perché il sarto Woodcock rappresenta l’essenza del classico senza tempo. DDL regge da solo il peso di un film incentrato completamente sul suo personaggio. PTA e DDL ci regalano un’altra opera importante  ma soprattutto un personaggio immenso.

Solo un Gary Oldman spaziale nella interpretazione di Churchill in “L’ora piu buia” ha potuto negare a DDL il quarto Oscar della sua carriera come migliore attore.

 

Recensione “Figlia mia”

L’amore conteso tra due madri, una razionale e l’altra passionale, per la loro figlia ragazzina cui spetterà di scegliere. Nel panorama della Sardegna più selvaggia, si confrontano le interpretazioni di Valeria Golino e di Alba Rohrwacher nel secondo film della regista Laura Bispuri, che si cimenta in questa drammatica storia sul tema dell’amore materno.

Certo che a vedere, in questo film, le performance di queste due attrici, che pure sono (meritatamente) nel gruppetto delle migliori a livello di cinema italiano, solo pochi giorni dopo avere assistito alla ennesima intepretazione galattica di Meryl Streep in “The Post”, viene da pensare che la suddetta Meryl potrebbe citarci tutti per uso improprio della parola “attrice”, e vincerebbe la causa ai paletti.

Come detto prima, “Figlia mia” è l’opera seconda di Laura Bispuri dopo il suo esordio con “Vergine giurata”. Questo, però, dobbiamo dire che è un film abbastanza non riuscito, dove si ritrovano amplificate le abituali difficoltà tipiche della seconda opera di quasi ogni regista. La storia è quella di Vittoria, bambina che a dieci anni scopre di avere due madri: Tina (Valeria Golino), la madre “acquisita”, solida e razionale, con la quale ha vissuto fino ad ora, e Angelica (Alba Rohrwacher), fragile e spaesata, che poi sarebbe la madre vera, biologica. Siamo in Sardegna, in contesto sociale di emarginazione, che riguarda soprattutto Angelica: sentimentalmente labile, sessualmente disinvolta, esistenzialmente uno schifo, cerca di salvare casa e cavalli dallo sfratto, tra una birretta e l’altra. Il racconto del suo alcolismo e del suo disagio è macchiettistico, ovvero la Rohrwacher non è credibile, per tacere della Golino, ancora meno verosimile. Il film narra questo rapporto tri-partisan mamma1/figlia/mamma2, e il momento topico della storia, che secondo la regista dovrebbe essere il punto di discontinuita’ che definisce un prima e un dopo nella vita della povera figlia vittima senza colpe, è quando la piccola Vittoria, in modalita’ spada, entra ed esce da una spaccatura nella roccia che, sempre secondo chi ha pensato questa scena, immaginiamo che vada letta come una vagina. Quindi una metafora, come un ritorno in utero per una nuova nascita simbolica con entrambe le madri…….